Hollanda Tasarım Haftası 2026’dan Dikkat Çeken 11 Proje

26. yılında Dutch Design Week, köklü isimlerden yeni nesil yeteneklere kadar 2.500’den fazla tasarımcıyı ve büyük markalarla yapılan yaratıcı işbirliklerini bir araya getirdi. Bu yılın teması Rebel Authentic Worth (veya R.A.W.), “deneyim için alan açan, malzeme araştırmaları yapan ve radikal hayal gücü gerektiren tasarımın” sosyal, kültürel ve ekonomik değerini öne çıkardı.

Tema, teknolojinin ve yapay zekanın giderek optimizasyonu ve görsel mükemmelliği önceliklendirdiği bir dönemde özellikle ham ve deneyimsel olanı vurguladı. Aynı zamanda teknolojik ilerleme etrafında büyümekte olan bir belirsizliği de yansıtarak, tasarımın bu gelişmelere nasıl meyde okuyabileceğini, alternatif bakış açıları sunmanın veya giderek karmaşıklaşan bir dünyada bize yol göstermenin nasıl mümkün olabileceğini irdeledi.

Bu arada, Dutch Design Week 2026’da öne çıkan 11 projeyi öne çıkarıyoruz.

1. Design Academy Eindhoven

Design Academy Eindhoven’in yıllık Mezunlar Sergisi, nesiller boyu tasarım yeteneğinin nesnelerden, kurulumlardan ve deneyimsel araştırmalardan oluşan geniş bir yelpazesini sundu. Temalar, değişimin hem kazanımları hem de istenmeyen sonuçları nasıl doğurabileceğinden, geleneğin örneğin sömürgeci veya milliyetçi tarihlar taşıırken bir aidiyet hissini sürdürebileceğinden, yeni çıkan mesleklerin ise bir geçim kaynağını garanti etmeksizin yeni olanaklar yaratmasından geniş bir yelpaze içeriyordu.

Dirk Duif’in ‘Safe House’ mezunlar projesi. Çekim: Ronald Smits.

“Bu yılın mezunlar projeleri, mezunların çelişkilerle nasıl başa çıktıklarını ve yönlerini nasıl bulduklarının haritaları olarak okunabilir: neye dikkat etmek, neyi ileri taşımak, neye sahip çıkmak ve çalışmalarını sürdürecek hangi ilişkiler,” diyor DAE’deki Sosyal Tasarım Yüksek Lisans programının sorumlusu Nadine Botha.

Yann Thiel’in ‘Excess Cornice’ mezunlar projesi. Çekim: Femke Reijerman.

Serginin kurumsal sistemlere dair incelemesi özellikle günceldi. Mezun olan DAE öğrencileri, yakın zamanda stüdyo alanının yetersizliği ve çalışmalarını üretebilmek için olanakların sınırlılığı gerekçesiyle okul koşullarına karşı protesto düzenledi.

2. Fairspace × Studio Shruthi Venkat × Sagitta Creatives: Blind Spots

Genel alanlarda gerçekleştirilen büyük ölçekli kurulumlar, ziyaretçilerin Hollanda Tasarım Haftası sırasında Eindhoven üzerinden hareket ederken tasarımlarla karşılaşmalarını ve etkileşime gelmelerini sağlar. Bunlardan biri olan Blind Spots (Kör Noktalar), “Güvenlik kim için inşa ediliyor?” sorusunu soruyor.

Fairspace × Shruthi Venkat × Sagitta tarafından yapılan ‘Creatives Blind Spots’ adlı yapay zeka illüstrasyonu. Görüntüler Fairspace’e ait.

Fairspace, Shruthi Venkat ve Sagitta Creatives tarafından oluşturulan kurulum, gözetleme kameraları, ekranlar ve inşaat ağları gibi tanınmış güvenlik sembollerini kullanarak koruma, gözetleme ve kontrol arasındaki ilişkiyi inceliyordu. Katılımcılar, görüş hatlarını engelleyen iç içe geçmiş ağ katmanları arasında dolaşabilirken, kaydedilmiş sesler güvenli hissetmenin ne anlama geldiğine dair farklı bakış açıları sunuyordu.

Görüntüler ve fotoğraflar Fairspace’e ait

Ziyaretçiler aynı zamanda deneyimlerini yazıp ağlara asmaları için davet edildi. Katkılar biriktikçe, kurulum yavaş yavaş insanların güvenliği genel alanlarda ne kadar farklı deneyimlediğine dair kolektif bir kayıt haline geldi.

3. Ori Orisun Merhav: Woven Landscapes

Woven Landscapes (Dokuma Peyzajlar)’da sanatçı ve malzeme araştırmacısı Ori Orisun Merhav, dokuma palmiye lifleri ve böceklerin salgıladığı reçineyle birleştirilen heykeltıraş formlardan oluşan, kendisinin “insanlar, arazi ve insan-ıtihamı yaşam arasındaki diyalog” olarak tanımladığı bir kurulum sundu. Organik yapılar, canlı organizmalar tarafından şekillendirilen malzemelerin nesnelerin tasarım ve üretim biçimini nasıl etkileyebileceğini inceliyordu.

Fotoğraflar Studio Mimesis’e ait

Merhav, Made by Insects’in kurucusudur; bu sürekliliği olan bir araştırma pratiği, lac adı verilen ve belirli böcekler tarafından salgılanan doğal reçineyi ve tasarım için malzeme olarak potansiyelini araştırıyor.

Fotoğraflar Ori Orisun Merhav’e ait

“Stüdyonun temel faaliyeti araştırma,” diyor Merhav. “Heykeller, araştırmamızın zamanının ve yolculuğunun arta kalan parçaları.” Örgü, bağlama ve kaplama yoluyla ortaya çıkan kaplar, geleneksel zanaat tekniklerini biyolojik süreçlerle birleştirerek insan yapısı nesneler ile doğa dünyası arasında daha işbirlikçi bir ilişki öneriyor.

4. Yinka Ilori x Brabantia: There Is Magic in Joy

Yinka Ilori; mimari, heykel, mobilya ve iç mekan ile grafik tasarım alanlarında faaliyet gösteren İngiliz-Nijeryalı çok disiplinli bir sanatçı ve tasarımcıdır. Canlı renk ve desen kullanımıyla tanınan Ilori, bu aynı yaklaşımı Hollanda ev eşyası markası Brabantia ile işbirliğiyle günlük ev eşyalarına taşımıştır.

Fotoğraflar Brabantia nezaketinden

Sınırlı sayıda üretilen There Is Magic in Joy koleksiyonu için Ilori, ütü masası kılıfı ve çöp bidonları da dahil olmak üzere pratik öğeleri oyunbaz tasarım nesnelerine dönüştürerek günlük işleri daha keyifli hale getirmeyi hedefledi. Palet; şerbetimsi turuncu, limon sarısı ve ahududu tonlarından oluşur, aqua aksanları ve sıradan ürünlere beklenmedik bir kişilik kazandıran belirgin grafik desenlerle desteklenir.

İLGİLİ OKUMA: ‘Chairman’ Yinka Ilori’nin Neşeli Mobilya Tasarımını Kutluyor

Yinka Ilori, ‘There Is Magic in Joy’ koleksiyonuyla fotoğraflanmış. Fotoğraflar Brabantia nezaketinden.

“İşimin kalbinde, sanatın ve tasarımın herkes için erişilebilir olması inancı yer alır; toplulukları bir araya getiren ve olumlu bir sosyal etki yaratan projeler,” diyor Ilori.

5. TAM Industries: House of Lights

Fotoğraflar TAM Industries nezaketinden

Prefabrik konutlar genellikle standart tasarımlarla ilişkilendirilir; ancak Eindhoven merkezli TAM Industries, 3B yazdırmanın daha büyük mimari özgürlük sunabileceğini araştırıyor. House of Lights kurulumu, otomasyonlu inşaatın endüstriyel üretimin verimliliğinden vazgeçmeden daha ifade dolu formları nasıl karşılayabileceğini gösterdi.

TAM tarafından geliştirilen makinelerde geri dönüştürülmüş plastikten basılan yapı, rengi doğrudan malzemeye entegre ederek boyaya ihtiyaç duymuyordu. Karanlık sonrasında basılan cepheyi aydınlatan entegre aydınlatma, evin görünümünü dönüştürdü.

Proje aynı zamanda malzemelerinin yapının ömrünün sonunda yeniden kullanılabileceği potansiyelini de araştırdı. Otomasyonu yaratıcılığa bir kısıtlama olarak görmek yerine, TAM onu daha çeşitli mimari tasarımları mümkün kılan bir yol olarak görüyor.

Fotoğraflar Rive Roshan’ın izniyle

6. Rive Roshan: Umut Fenerleri

Belirsiz zamanlarda yaşadığımız fikri ve tasarımın yansıma ve güvence için alanlar sunabilmesi, festivalde yaygındı. Amsterdam merkezli tasarım ikilisi Rive Roshan (Ruben de la Rive Box ve Golnar Roshan) tarafından yapılan Umut Fenerleri, dokulu cam, yansıtıcı yüzeyler ve kinetik ışığı birleştiren sürükleyici bir kurulumla bu atmosfere yanıt verdi.

İkili ışığı birincil bir malzeme olarak görüyor; hareketini şekillendirmek ve değişen yansıma desenleri oluşturmak için cam ve metal yüzeyleri kullanıyor. Kurulum, ziyaretçilere bir duraksama, bağlanma ve iyimserlik anı sunmak üzere tasarlandı.

“Tasarımın bağlanmayı teşvik etme ve sığınak sunma sorumluluğuna inaniyoruz,” diyorum tasarımcılar. “Kinetik ışığı koreografik olarak düzenleyerek, günlük haber döngüsünün ağırlığı ve duygusal refahımız üzerindeki yük’e karşı bir karşı anlatı sunarak evrensel ve derinden duygusal bir şeye dokunuyoruz.”

Fotoğraflar Maarten Van der Wolf

7. Gijs Schalkx: Onderweg naar een toekomst [Bir Geleceğe Yolculuk]

“Hatırladığım kadarıyla, şeylerin nasıl çalıştığı merak ediyorum,” diyor sanatçı Gijs Schalkx. Bu merak onu, bataklık gazıyla çalışan bir motosiklet, atık plastikten çalışan bir araba ve elektrikli bir uçan bisiklet dahil olmak üzere alışıldık olmayan bir araç koleksiyonu inşa etmeye yönlendirdi.

Onderweg naar een toekomst (Geleceye Dair Bir Yolculuk) olarak sunulan, işlevsel araçlar; verimlilik, ilerleme ve sürdürülebilirliğe dair varsayımlarımızı sorgulatıyor. “Teknoloji çoğu zaman hatasız, hızlı ve verimli olarak sunulur. İnsanların çoğu bunu, arkasındaki süreçleri ve altyapıyı bilmeden, pasif tüketiciler gibi içselleştiriyor” diyor.

Fotoğraflar Gijs Schalkx’ın izniyle

Şalkx teknolojiyi reddetmek yerine, bunun ardındaki sistemleri ve kaynakları ortaya çıkarmak için bu olağanüstü icatları kullanıyor. “Onu reddetmeye çalışmıyorum, yeniden düzenlemeye çalışıyorum” diyor. “Araçlar gerçekten işliyor ama faydacı mantığın tam dışında kalıyorlar. Günlük hayatımızda teknolojiye ve altyapıya olan bağımlılığımızı gösterirken, aynı zamanda henüz hayal bile etmediğimiz olanakları gözler önüne seriyorlar.”

8. The DIRT: Çakızlık, Dolap ve Deri Botlar

Birkaç nesne, neredeyse hiçbir maddi değeri olmasına rağmen, nasıl da değiştirilemez hale geliyor? The DIRT’nin The Ashtray, the Cupboard, and the Leather Boots adlı sergisi, üç kadınla sevilen eşyalarla bağlantılı anılar hakkında gerçekleştirdiği görüşmelerden doğdu; sıradan nesneler kişisel geçmişlerle değerli bir şeye dönüşüyor. Yaratıcı ikili Florine van Rees ve Jeroen Dijkstra tarafından kurulan ve küratörlüğü yapılan sergiler ile sahne tasarımını üreten The DIRT (Hollanda Kraliyet Damak Tadı Enstitüsü), aslında böyle bir kuruluş.

“Nesnelere derin bağlar kurar ve çoğu zaman bunların maddi değeri ya da işleviyle pek alakası olmayan sebeplerle onları kıymetli görmeye başlarız” diyor iki tasarımcı. Bu kadar çok ürünün değiştirilmek üzere tasarlandığı bir dönemde, sergi bazı nesnelerin neden saklanmaya değer olduğunu irdeledi.

Orijinal görüşmelerin kayıtları kurulumu eşlik ediyor ve ziyaretçileri seçilen nesnelerin ardındaki sesleri dinlemeye davet ediyor. Ardından üç tasarımcı, bu hikayeleri günlük nesneler, anı ve kimlik arasındaki ilişkiyi araştıran yeni eserlerle yorumladı.

Stina Henriksson’dan ‘Ritüel Artıkları’. Fotoğraflar sanatçının izniyle.

Stina Henriksson: Ritüel Artıkları

Ritual Remains adlı eserinde Stina Henriksson, ateşle ilişkili ritüelleri irdeledi ve sigara yakmak ile mum yakmak arasındaki bağlantıları kurdu. Her iki eylem de toplanma, kutlama veya derin düşünmeyi çağrıştırabilir ve yanmış olanın fiziksel izlerini geride bırakır. Henriksson’un çalışması, sıradan bir nesnenin nasıl anı ve ritüel için bir taşıyıcı haline gelebileceğini sorgular.

Lotte Raida’ya ait ‘Slaapzak kast (Sleeping cupboard)’ eseri. Çekimler sanatçıya ait.

Lotte Raida: Slaapzak kast (Sleeping bag cupboard)

Lotte Raida’ya ait Slaapzak Kast (Sleeping Bag Cupboard) eseri, kamp tatillerine dair anılardan ilham alarak tanıdık bir depolama mobilyasını bir uyku çantasının biçimi üzerinden yeniden yorumlar. Eser, mobilyanın pratik işlevinin ötesinde kişisel çağrışımları nasıl taşıyabileceğini, günlük depolamayı konfor anılarıyla ve dışarıda geçirilen zamanla nasıl bağladığını inceler.

Astrid Vagner’a ait ‘Make Me Fit’ eseri. Çekimler sanatçıya ait.

Astrid Vagner: Make Me Fit

Astrid Vagner’a ait Make Me Fit eseri, ayakkabı, feminenlik ve kadın bedenlerine yüklenen beklentiler arasındaki ilişkiyi inceler. “Feminen ayakkabılarda sınırlı seçimle yansıtılan, hiçbir şeye uymayan vücut parçalarıyla büyüdüm. Kendimi feminen niteliklerle tamir etmeye başladım,” diye açıklar Vagner.

Deri botun tanıdık biçimi aracılığıyla eser, kıyafet ve aksesuarların kimliğe ve aidiyete dair anlayışımızı nasıl şekillendirebileceğini sorgular.

9. İsveç Tekstil Okulu: Exit26

Phlox van Oppen’e ait ‘Weaving Life Stories of Resilient Women’ eseri. Çekimler İsveç Tekstil Okulu’na ait.

İsveç Tekstil Okulu, Exit26 ile kumaşa dair konvansiyonel fikirlerin ötesine geçti; zanaat, teknoloji, renk ve maddeyi bir araya getiren bu sergi, eserleri tekstil, heykel ve giyilebilir tasarım arasındaki sınırları belirsizleştirerek fiziksel ile dijital, duygusal ile pratik arasındaki ayrım challenges.

Viola Schmidt’in ‘The Jeweld Hand’ adlı eseri. Fotoğraf İsveç Tekstil Okulu’nun izniyle.

Serginin öne çıkanları arasında, dirseğe kadar uzanan süet eldivenden sarkan iplerle aksesuar ile tekstil heykel arasındaki çizgiyi belirsizleştiren The Jeweld Hand adlı Schmidt eseri; Phlox van Oppen’in Resilient Women’s Life Stories adlı eseri ise çok katmanlı jakarlı dokuma tekniğiyle kadınların dayanıklılık ve dönüşüm deneyimlerini inceliyor.

“Eserlerim, tekstillerin belleği, biyografiyi ve dönüşümü nasıl taşıyabildiğine dair süregelen merakıma dayanıyor,” diyor van Oppen.

10. Atelier Arunika: Picche çizgili dolap

Yuvarlak, hap biçimli çekmeceleri ve eğlenceli oranlarıyla Picche, tanıdık bir mobilyaya beklenmedik bir kişilik katıyor. Atelier Arunika’dan Arunika Sarkar’ın Hindistan’da el yapımı ürettiği çizgili dolap, postmodern tasarımı ve yönetmen Wes Anderson’ın özenle kurduğu görsel dünyayı referans alıyor.

Fotoğraf Atelier Arunika’nın izniyle.

“Tasarımın giderek verimlilik ve standartlaşma tarafından şekillendirildiği bir dönemde Picche, bireyselliğin, eğlencenin ve duygusal bağın değerini araştırıyor,” diyor Sarkar.

İşlevsel nesnelerin yalnızca kullanışlı olmak zorunda olmadığı fikrine meydan okuyan eser, heykelsi ifadeyi günlük depolama ile dengede tutuyor. “Nesneyle bir alanı işgal eden bir şey olmaktan çok, neredeyse bir karakter gibi hissettiren; kendi kişiliği, varlığı ve hikayesi olan bir mobilya yaratmayla ilgileniyorum,” diyor.

11. Impakt – Centre for Media Culture: Code 2026: Terms of Intimacy

Dijital teknolojiler kişisel hayatımızda giderek daha fazla yer edinirken, bağlantı, rahatlık ve gözetim arasındaki sınırların tanımlanması giderek zorlaşıyor. Code 2026: Terms of Intimacy, Impakt – Medeniyet ve Kültür Merkezi tarafından sunulan bu gerilimleri, teknolojilerin seslerimiz, dikkatimiz ve beden verilerimizi nasıl topladığı ve kullandığına dair inceleyen yedi eser üzerinden incledi.

Simon Pillaud’a ait The Affirmation Machine, ‘Code 2026: Terms of Intimacy’ programının bir parçasıydı. Çekimlerin telif hakkı Impakt’a aittir.

Sergi, biyometrik rızadan yapay zeka eşliğine kadar geniş bir yelpazede konulara değinerek, paylaştığımız bilgileri giderek daha kişiselleştirilen teknolojilere kimin yönlendirdiğini sorguladı. Uluslararası bir program olan ve sanatçıları, araştırmacıları ve politika yapıcıları bir araya getiren Code‘ın altıncı sürümünün bir parçası olan sergi, gizlilik ve özerklik hakkındaki soyut soruları fiziksel ve etkileşimli deneyimlere dönüştürdü.

Eserler bir araya geldiğinde, daha fazla yakınlık ve bağlantı vaat eden teknolojilerin, kendilerini kullanan insanları da farkedilmeden biçimlendirmesi mümkün mü sorusunu gündeme getirdi.