Dün doruğa ulaştı ve daha önce , ve’de duraklayan gösterilerin bir ay süren sezonunun sonunu işaret etti.
Dokuz günlük programıyla benzerlerinden neredeyse iki kat daha uzun olan bu şehir, moda ayını belirleyen şehir olmaya devam ediyor; özellikle de aralarında , ve (sadece birkaçını saymak gerekirse) modanın ağır evlerinin gösterilerini içermesi nedeniyle.
S/S manşetlerini domine ettikten sonra, A/W 2026, tasarımcıların kreatif direktör pozisyonlarına yerleşmesiyle ikinci sınıf gösterisini konu alıyordu. Beklentilerin ağırlığı olmadan, bazı harika şovlar gördük – özellikle Michael Rider, , Jack McCollough ve Lazaro Hernandez ve (hepsi ikinci hazır giyim koleksiyonlarını gösteriyordu).
Burada, Wallpaper moda ve güzellik yönetmeni Jack Moss ve katkıda bulunan yazar Jarvis tarafından hazırlanan haftayı tanımlayan öne çıkan şovları seçiyoruz.
Paris Moda Haftası’nın en iyileri A/W 2026
Dior’un
Dior için A/W 2026 podyum defilesini Paris’teki Jardin des Tuileries’te gerçekleştirdi ve parktaki göletlerden birinin etrafında dairesel bir gösteri inşa etti (bu etkinlik için, gerçek gibi görünmesi için titizlikle inşa edilmiş Monet benzeri nilüfer yapraklarıyla doldurulmuştu), davetiye ise parkın imzası olan yeşil metal sandalyelerin minyatür versiyonlarını içeriyordu. Göletin merkezinin karşısında, parkın 1667’de Louis XIV tarafından yenilendikten sonra halka açılmasından bu yana tarihi bir gezinti yolu olan Tuileries’deki Grand Allée hattını hatırlatan yükseltilmiş bir pist uzanıyordu. Gezinti yerinin çağdaş bir tasavvuru olan ‘görmek ve görülmek’ hakkında bir koleksiyona yol açtı, “parkta yürüyüşün bir performansa dönüştüğü yer”.Belle Epoque’un (burada zıplayan trenlerle elbiselere dönüştürülmüş) sersemlemiş fırfırlarından, klasik tüvitleri anımsatan kumaşlar, altın düğmeli blazerler ve dalga benzeri kenarlarla yeniden tasarlanmış yünlü ceketler gibi burjuva kinayeleriyle ilgili oyunlara kadar eklektik, zaman atlamalı kıyafetlerle bir ‘Parisliler topluluğu’na işaret edin. Ancak en dikkat çekici olan şey, hafiflik duygusuydu: zambaklarla süslenmiş ayakkabılar, puantiyeli motifler ve kristalize denim hem eğlenceli hem de güzeldi. Anderson, “Dior’un devasa bir geçmişi var ve benim de oradan başlamam gerekiyordu” dedi. “Artık onu bundan kurtarmakta özgür hissediyorum.” Jack Moss
OKUMAK:
Saint Laurent
Anthony Vaccarello’nun sinematik sunumu, gösterişli, modernist bir evin simülakrında ortaya çıktı; ortasında Yves Saint Laurent’in kendi dairesinde yaşayan bir büstün büyütülmüş bir kopyası vardı. Bu sezonun Saint Laurent kahramanı, yoğun füme gözleri ve kaygan, yandan ayrılmış saçlarıyla, Helmut Newton’un 1975’te Rue Aubriot’ta Yves Saint Laurent’in ‘Le Smoking’ smokini giymiş bir modelin Paris fotoğrafına bir selam niteliğindeydi. Gerçekten de, A/W 2026 koleksiyonunun merkezinde terzilik vardı: sekiz pantolonlu takım defilenin açılışını yaparken, baştan sona çeşitli başka yinelemeler de ortaya çıktı (bunlar dahil). Bu sezon özel olarak Saint Laurent için yürüyen ve defileyi kapatan model Loli Bahia’nın giydiği smokin üzerine Vaccarello’nun kendi riff’i).Burada silüet, omuz boyunca eğimliydi ve beli daraltılmıştı – daraltılmamış olsa da – takım elbisenin “havalı olmaktan çok kayıtsız bir omuz silkme” tarzına uygun bir tınısı vardı. Bir kontrpuan olarak Vaccarello, “sıkıntıyla renklendirilmiş bir zarafet… samimiyet ve kırılganlığın güzelliğini” yakalamak için Gore Vidal ve Tennessee Williams’ın “sorunlu kahramanlarına” ve 1971 filmindeki Romy Schneider’e (kendisinin bu sezonun kahramanı olduğunu söyledi) baktı. Bu ruh halini yakalamak için silikon kaplı dantelden bir dizi slip ve elbise gelirken, devasa kürk mantolar canlı bir özgüvene sahipti.
Van Noten’u kurutur
Birçoğumuz için, tuhaf ergenlik döneminin stilleri üzerinde fazla durmamak en iyisi; sonuçta, ergenlik çağında kim en iyi şekilde görünüyordu veya en iyi hissetti? Açıkça görülüyor ki, Julian Klausner bu etkilenebilir döneme daha romantik bir bakış açısıyla yaklaşıyor, ancak yine de Klausner muhtemelen çoğu kişiden daha sofistike bir genç markaydı. Her halükarda, Dries Van Noten için kısmen Lycée Carnot’ya yaptığı bir ziyaretten ve ‘devam eden bir çalışma’ olan ergenlik anılarından ilham alan A/W 2026 koleksiyonunun verdiği izlenim buydu. Lycée, Gilles Deleuze, Guy Debord ve Daft Punk gibi mezunların bulunduğu bir Rive Droite devlet okuludur ve Gustave Eiffel tarafından tasarlanan büyük salonu, yıllar boyunca çok sayıda Paris defilesinin arka planını oluşturmuştur; diğer bir deyişle, uygun şekilde nadirleştirilmiş ve yaratıcı açıdan zengin bir başlangıç noktası olmuştur.
Dries Van Noten’a 61 bakışı en gençlik sorusunu sordu: Bugün kim olacağım? Kendine güvenen an için, canlı ipek etekli, göbekli düğmeli örgü. Bir zırha ihtiyaç duyulduğunda, sizin yerinize konuşan koruyucu bir spor ceketi. Ya da belki bir gün ruh hali skolastik olabilir – üniversite ceketi ve pilili etek, ama her zaman, her zaman kişiye özel, burada bir süsleme, şurada kontrast bir süsleme. Klausner, dijital olarak çarpıtılmış 17. yüzyıl Flaman natürmort resimleriyle baskılar aracılığıyla genişlettiği bir metaforla, “Tıpkı pikselli bir resim gibi, o sonsuz sorgulama zamanından ne kadar uzaklaşılırsa o kadar netleşir” dedi. Gösterişli, olgun kumaşlar ve kaplamalar, Gala Dragot’un şovun müziğini yapan vokal performansının son satırlarında en iyi şekilde özetlenen gençlik dolu bir saygısızlıkla şekillendirildi: ‘Çok ciddi olma… Yaka tak… Yine de bulanık tut.’ Hindistan Jarvis
Akne Stüdyoları
Dries Van Noten gençliğin deneysel tutumuna bir saygı duruşuysa, Acne Studios da 30’uncu yaş yılını (30’unda olduğu gibi) şunu ilan eden bir koleksiyonla kutladı: Biliyorum Kesinlikle Ben kimim. A/W 2026, markanın 1996 yılında adını duyuran özel jean kesiminin yeniden canlandırılması gibi saygısız imzalarının ve iki yılda bir düzenlenenler de dahil olmak üzere markanın alışılmadık pazarlama tarzına selam veren fotoğrafik unsurların bir onaylanmasıydı.
Bu sezonun ortamı, pistin sonundan aynı anda bakıldığında Josef Albers’in üç boyutlu çalışması gibi görünen, birbiriyle kesişen küboid odalardan oluşuyordu. Jonny Johansson’un gösteri notlarına göre bu, ‘salonların alev alması gibi… daha önce gelenleri ve sonra gelecekleri işaretleyen portallar’ olarak tasarlandı. Paris geleneğindeki bir salon, çatışan veya tamamlayıcı fikirlerin bir araya getirilmesi anlamına gelebilirken, Acne Studios’un kararlılığı bu sınırları mümkün olduğunca bulanıklaştırmaktır. Öne çıkan görünümlerde, cildi sıkan jodhpur’lar ve arzu edilen sivri uçlu topuklu ayakkabılarla giyilen kısaltılmış havacı ceketleri, tek omuza giyilen ve sert kalem etekler ve bol dökümlü elbiseler üzerine baskılı, hayattan daha büyük olan Galler Prensi kareli ceketler görüldü.
Alaia
Geçen yılın sonlarında, İtalyan markanın Prada’ya satışının tamamlanmasının hemen ardından, Dario Vitale’nin Versace’nin kreatif direktörlüğü görevinden ayrılacağı (tek ama etkileyici bir sezon geçirdi) ve yerine Belçikalı tasarımcı Pieter Mulier’in geçeceği açıklandı. Bu, tasarımcılar Matthieu Blazy ve Raf Simons’un izlediği bu sezonun Alaïa defilesinin onun sonuncusu olacağı anlamına geliyordu: ticari genişleme ve kritik başarı ile tanımlanan beş yıllık görev süresinin kuğu şarkısı (aynı zamanda birçoğu bu son gösteride yürüyen ve muhtemelen onu Versace’ye kadar takip edecek olan model ilham perilerinden oluşan bir zümre oluşturdu). Eski Fondation Cartier’de samimi bir sergi alanında düzenlenen – Mulier, 1990’ların iPhone öncesi bir defilesini hatırlatmak istediğini söyledi – koleksiyonun kendisi, basit vücudu şekillendiren atlet elbiselerden ince dikilmiş paltolara, streç örgülere ve peplumlara ve fırfırlara (son süslemeler Mulier’in çağdaş, aerodinamik tarzında işlenmiş) kadar her şeyi evin özüne geri götürmek adına daha yeni deneysel silüetlerden kaçındı.
‘Bu koleksiyon giyilecek kıyafetlerle ilgili. Ceket nedir? Gösteriden sonra sahne arkasında elbise nedir?’ dedi. ‘Temelde son beş yılın kelime dağarcığı. Alaïa’da öğrendiklerimi bir sonraki tasarımcıya vereceğim. Anahtarları masanın üzerinde bırakmak gibi. Alaïa’da hassasiyeti, düzenlemeyi ve gerçek lüksün hepimizin düşündüğü gibi olmadığını öğrendim. Mükemmel kesimli bir ceket.” Jack Moss
OKUMAK:
Rabanne
Uzun 20. yüzyılın tüm farklı modaları arasında, 1940’ların tarzının, kostüm alanına sapmadan referans vermenin en zor olduğu iddia edilebilir. Belki de bunun nedeni, kutu gibi özel olarak tasarlanmış silüetlerin ve zafer atışlarının İngiliz savaş filmlerinin geniş kanonuyla çok fazla ilişkilendirilmesidir veya belki de kemer sıkma odaklı ‘makyaj’ giyinmenin yüksek-düşük ölçeğin her iki ucundaki çağdaş modaya aykırı olmasıdır. O halde bu, Julien Dossena’nın Rabanne Sonbahar/Kış 2026 koleksiyonunda 1940’lardan ilham alan stilleri (T-bar topuklu ayakkabılar, çiçek desenli çay elbiseleri ve birbiriyle çatışan trikolar) en ufak bir yeniden canlandırma ipucu bile uyandırmadan birleştirmesinin bir kanıtıdır.
Sonuçta Rabanne her zaman fütüristik eğilimiyle dikkat çeken bir ev olmuştur. Metal ve plastik gibi alışılmamış, endüstriyel malzemeler bu modelin kalbinde yer alıyor ve markanın ‘küçük bir louche’ olarak adlandırdığı bir koleksiyonda bir araya gelen daha vintage fikirlerin yanı sıra bu sezon da öyle kaldı. Modernist kadınlığa dair bu yaklaşım, düğmeleri açık bir bluzun içinden geçen bir elbise, daha muhafazakar bir eteğin altındaki bir parça dantel ve anlamlı bir şekilde açık bırakılan fiyonkların göz açıp kapayıncaya kadar gözden kaçıracağınız bakışlarıyla anlatıldı. Dossena, gösteri sonrasında Wallpaper*’a, bu zıtlıklarla oluşturmak istediği karakterin “dirençli bir kadın” olduğunu ve kendisi için 1940’lardan türetilmiş şekillerle retro-fütürizm önerisi bulunduğunu söyledi (örneğin, heykelsi pompadour stillerine çekilen saçlar daha az Vera Lynn ve daha çok replikalardı). Bıçak Koşucusu). Hindistan Jarvis
Rick Owens
Marlene Dietrich’in siberpunk kuzeni şehirde bir gece geçirmek için ne giyebilir? Bu yalnızca Rick Owens tarafından yanıtlanabilecek bir soru; onun A/W 2026 koleksiyonu, tamamı kendi özel tasarım dilinden gelen klasiklerle tamamlanan, ‘hayat evrelerinin onurlu dizisine’ bir saygı duruşu niteliğindeydi. Kuru buzla dolu ve magnezyum parlak ışık ışınlarıyla noktalanan kıyamet sonrası bir manzarada vücut parçalarının protezler ve bilim kurgu siluetleriyle zenginleştirildiğini düşünün. Koleksiyonu, erkek koleksiyonları arasında prömiyeri yapılan ‘Tower’ın ikinci parçası olarak sunan Owens, Dietrich’in ‘çeliklik’ ve ‘cesurluk’ özelliklerinden yararlanarak bunları kılıf benzeri elbiseler, bol miktarda suni kürk yığını ve uçuş ceketleri olarak yorumladı.
Tıpkı Alman yıldızın kalıcı mirasının kısmen Josef von Sternberg’le olan çarpıcı işbirliklerinin bir ürünü olduğu gibi, Owens da çalışmalarının yaratıcı ortaklarından aldığı zengin katkıyı hemen takdir eden bir sanatçı. Bu sezon, Kevlar (çelikten beş kat daha güçlü olduğu iddia edilen) adı verilen yüksek performanslı bir elyaf dokuyan İtalya’nın Como kentindeki üçüncü nesil, aile tarafından işletilen fabrikadan, endüstriyel indigo tuvali işleyen, su israfını azaltmaya kendini adamış Veneto bölgesindeki yıkama evine kadar, hammaddelerinin geçtiği ellerin isim kontrolüne sevgiyle büyük ilgi gösterildi. Hindistan Jarvis
Loewe
Alman sanatçı Cosima Von Bonin’in yumuşak istiridye, ahtapot ve köpek figürlerinin yer aldığı parlak sarı podyumda sergilenen Jack McCollough ve Lazaro Hernandez’in ikinci sınıf öğrencisi Loewe koleksiyonu, Paris Moda Haftası’nın Cuma sabahı hoş bir enerji sarsıntısı yarattı. Haşhaş A/W 2026 koleksiyonu kış ayları için sahile hazır renkli ilk çıkışlarını tercüme eden Amerikalı tasarımcılar, “Moda, sonsuz yaratıcı oyun için açık bir alandan başka nedir?” Yüzü koruyan güneş gözlükleri, cesur renkli anoraklar ve yarım fermuarlı kayak kazaklarındaki kalın şeritler gibi diğer öğeler sportif bir his uyandırırken şişirilebilir öğeler, giysilerin boyut ve orantı açısından değiştirilebileceği anlamına geliyordu (ertesi günkü yeniden gösterimde gösterilen ıstakoz pençesi şeklindeki pompa ayrı olarak satılacak).
Bu tür deneyler, Loewe atölyesinin, özellikle konu deri olduğunda yetenekleri sayesinde mümkün oldu: buklet paltolar karmaşık deri iplik ilmeklerinden yapılırken, degrade kürkler “kaniş bakımıyla aynı şekilde” işlendi. Tasarımcılar, “İkinci koleksiyonumuzu [yaratmaya] başladığımızda, basit bir gerçek bizi şaşırttı: Bizim için yapma eylemi, özünde bir neşe ifadesidir; oyunbazlıkla dolu, entelektüel, süreç odaklı bir arayıştır” dedi. ‘Sonuç kadar gidilen yol da önemlidir. Bu, içgüdü ile deneyim arasında, zanaata bağlılık ile onun sonsuz yenilik fırsatları arasında gidip gelen, sıkı bir deney ve problem çözme aracı olan oyun fikridir.’ Jack Moss
Issey Miyake
Satoshi Kondo’ya göre tasarımcının rolü, kontrolü kullanmak kadar ondan vazgeçmekle de ilgilidir. Ne zaman geride duracağını bilmek, hedefi aşmamak, malzemelerin kendi adına konuşmasına izin vermek. Bu, Issey Miyake’nin A/W 2026 teklifi için öne çıkardığı inançtı; karakteristik olarak Japonların doğuştan gelen, sade güzelliği tanıması.
‘Yaratmak, İzin Vermek’ başlıklı koleksiyon, tasarımcıların anladığı bu özel gerilimi, sanatçının elinin idareli bir şekilde yerleştirildiği parçalar aracılığıyla yönlendiriyor, hiçbir zaman imalatın gerçek özünü kurcalamıyor, yalnızca güçlendiriyor. En iyi ihtimalle, bu, negatif alan üzerinde izlenim bırakan teknik çizgilerle kesilmiş geniş kumaş kesimlerine benziyordu; modelin dikdörtgen yapısını abartmak için omuzlarının üzerinde tuttuğu, pelerinli şarap rengi tek sıralı ceket gibi. Kendi imzasını taşıyan kıvrımların doğuştan gelen hareketi yalnızca aralıklı olarak kullanıldı ve bunun yerine, göğüs plakaları, korsajlar ve kemerler aracılığıyla önemli ölçüde esnek olmayan lake washi kağıdı kullanıldı; bu da hareket ve kısıtlama arasında bir kontrast yarattı. Kondo’nun bununla amacı, “tasarım müdahalesini en aza indirerek ve form oluşturmayı kullanıcının kendi bedenine bırakarak” en önemli etkiyi insan çerçevesi aracılığıyla yaratmaktı.
Mekanın kendisine gelince, Carrousel du Louvre, gümüşi bir kum tabakası ve ‘ince kıyılmış alüminyum folyo ile ‘malzeme’, ‘insanlar’ ve ‘giysiler’ arasındaki etkileşim için bir araç olarak hizmet veriyordu. Bu yüzey, modeller üzerinde hareket ettikçe işaretlendi ve desenlendi; bu, Kondo’nun ‘dikkate alınan kesinti’ metaforuna bir başka göndermeydi. Hindistan Jarvis
Lanvin
Bu yıl, Lanvin evinde erkek giyiminin yüzüncü yılı kutlanıyor; bu kutlama, iki savaş arası kadın modasını karakterize eden çocuksu silüetlere selam vererek sezonun kadın giyimine yansıyan bir kutlama. Açıkça kadınsı kıvrımların göğüsten bele kadar düz çizgiler halinde düzleştirildiği, özgürleşmiş Yeni Kadın’ı temsil eden uzun, atletik bir hat oluşturduğu bir dönemdi.
2024’ün sonlarında Lanvin’in başına geçen Peter Copping, Jeanne Lanvin’in 1920’lerdeki müşterilerinin endişeleriyle günümüzde markadan alışveriş yapanların kaygılarını güzel bir şekilde bir araya getiren “nesiller arası bir diyalog” hayal etti. Ortak noktaları ne? Açıkça görülüyor ki, opera aşkıydı; eldivenler kelepçeli ve dirsek uzunluğundaydı ve kemerli opera ceketleri bir gece elbisesinin üzerine giyilebilecek kadar hacimliydi ve suni kürkle süslenmişti. Şapka takıyorlar (Jeanne Lanvin’in modaya ilk atılımı bir şapkacı çıraklığıydı), A/W 2026’nın cloche şekillerinden ödünç aldığı, ancak abartılı güneybatı tarzı kenarlara sahip. Bir miktar ölçülü cazibeyi tercih ediyorlar. Kesimlerden bazıları biraz sade bir eğime sahip olsa da, zengin bir kumaş ve kaplamayla karşılanıyordu: elle işlemeli boncuk damlacıkları, mürekkep rengi kadifeler, lazerle kesilmiş saçaklar.
Lanvin, halen faaliyette olan en eski Fransız maisonudur ve genel merkezi hala orijinal yerindedir; bu nedenle, mirasının ağırlığı, onu ele alan her tasarımcının üzerinde ağır bir şekilde asılı kalmalıdır. Kurucusu, kesinlikle tercümeye ihtiyaç duymayan ve hiç de küçümsenmeyecek bir cümle üzerinde ısrar etti. Lanvin’in, geçirdiği her yenilenme anında hala kadınların garantili şıklık için gidebileceği bir yer olması bir rahatlıktır.
[span]Givenchy[/span]
Bireysel stil fikri, Sarah Burton’ın eski Alexander McQueen tasarımcısının şimdiye kadarki en özgür gezisi (ve sonuç olarak en iyisi) Givenchy için hazırladığı üçüncü koleksiyonuyla ifade ettiği Paris Moda Haftası’nın ana hatlarıydı. Burton’ın bu sezon sorduğu soru ‘İçinde yaşadığımız dünyada kendimizi nasıl yeniden bir araya getirebiliriz?’di ve programdan sonra çağdaş bir kadının hayatının çok yönlülüğü hakkında düşündüğünü açıkladı (bu nedenle, Miuccia Prada’nın ‘bir kadın olarak hayatınız katmanlıdır – her gün sadece kıyafetlerinizi değiştirmenizi değil, aynı zamanda kendi içinizdeki kimliklerin zenginliğini de gerektirir’ diye iddia ettiği .Tipik olarak mükemmel bir terzilik vardı (Burton bu alandaki becerisiyle tanınıyor ve yakın zamanda Alexander McQueen’den terzilik ekibini işe aldı), ama aynı zamanda tarzın daha canlı ifadeleri de vardı: jilet kadar ince askılardan sarkan, parlak sarı deriden bir elbise; püsküllere dönüşen parıldayan leopar lekeleri; Stephen Jones tarafından başlıklara dönüştürülen ipek tişörtlerin yanı sıra marangoz kot pantolonlardaki büyük beden riffler, omuzları açık bomberler ve yüksek yakalı beyaz gömlekler. Burton, “Bunu çok kişisel hissettirmek istedim” dedi. ‘Her kadın kendine özgüdür, her silüet kendi karakteridir.’ Jack Moss
Junya Watanabe
Junya Watanabe, kıyafetlerin konuşmasına izin veriyor. A/W 2026 koleksiyonuna iki tek cümleden oluşan gösteri notları eşlik ediyordu: ‘The Art of Assemblage Couture, geleneksel terzilik kavramlarından bağımsız, saf yaratıcı içgüdüden doğan formu araştırıyor. Hammaddelerin doğrudan sunumu yoluyla bu yaklaşım, çevredeki sosyal çevreyi ifade ediyor.’ Bu kısa ve öz özet, haftanın en eğlenceli programlarından birinde ortaya çıkan fikir çılgınlığını yalanlıyordu.
Klasik couture silüetleri, tüketim malları ile seri üretilen giysilerin karışımından oluşturuldu. Irina Shayk tarafından giyilen açılış görünümü, 1950’lerin balo tarzında, eldivenlerden yapılmış, file farbalalı bir elbiseden oluşuyordu. Kabarık kollu, kare yakalı ve ortası yırtmaçlı, iç kısmı gümüş rengi gösteren altın renkli bir Mylar battaniyeden yapılmış gibi görünen bir elbise, sanki paketinden yeni çıkarılmış gibi kırışık kıvrımları hala görülebiliyordu. Başka bir elbisede dolgun, eğitimli eteği için kitschly desenli perdeler, kıvrımlı pililer ve benzeri şeyler kullanılmış, korsajı ise başka neyden yapılmıştı? – hurda numara plakaları.
Şu ana kadar Watanabe öyle ama bu sezon alışılmamış malzemelerden çok daha fazlasını gösteri olarak sundu. Her zamankinden daha koreografili bir gösteriyle Watanabe, Polonya doğumlu hareket direktörü Pat Boguslawski’nin yardımını istedi. Tangodan ilham alan bir tutkuyla giysilerini sandalyelere fırlatan ve başlarını sessiz film yıldız adaylarının sırıtan, ceylan bakışlı anlatımıyla çeviren Watanabe’nin modelleri için durgun ama melodramatik bir rutin yönetti. Bu referans, Eugene Souleiman’ın saç tasarımı, Josephine Baker tarzında alınlara ve yanaklara doğru uzanan şekillendirilmiş bukleler ve Isamaya Ffrench’in kanatlı, kalın kirpikli ve bazen de gözyaşlarıyla dolu gözlerinden oluşan göz alıcı makyajıyla pekiştirildi. Hindistan Jarvis
Selin
Michael Rider’ın Celine’e özel bir görünüm tanımlaması uzun sürmedi: Amerikalıların gözünden Paris stilinin bir vizyonu gibi hissettiren şık, şehrin dışından ilham alan bir üniforma (Rider daha önce Celine’de Phoebe Philo altında çalışmıştı, ancak daha yakın zamanda ABD’li marka Polo Ralph Lauren’in başına geçmişti). Ve işe yaradı: Şimdiye kadarki koleksiyonları, onları podyumda ve doğrudan sokakta giyebileceğinizi hissettirdi, şüphesiz daha küçük markalar tarafından çokça kopyalanacak olan gündelik parçalar üzerine zekice rifflerle doluydu (ayrıca bol çekicilik bileziklerinden renkli çantalara ve terlik benzeri mokasenlere kadar harika aksesuarlarla doluydu). Rider, A/W 2026 için Institut de France’da ahşap ve metalden yapılmış bir dizi güzel modernist konuşmacının ortasında düzenlenen bir gösteriyle yükseliş yolculuğuna devam etti ve geçici trendler yerine kalıcı stili tercih eden bir koleksiyon sundu.Rider, “Celine bir tarz: eski ile yeninin karışımı, acil ve rüya gibi hissettiriyor” dedi. ‘Hepimizin bulmayı ve giymeyi hayal ettiği şeyleri yapmak.’ Ve bu hazır giyim gardırobunda (en gerçek anlamda), devasa payetler ve parıltılı hayvan baskılarından tüylü başlıklara ve cesur renk noktalamalarına kadar neşeli ve romantik süslemeler ortaya çıktı. Rider, “Kıyafet giymek, bir bakış, günü değiştirebilir; nasıl yürüdüğümüzü ve hissettiğimizi değiştirebilir” dedi. ‘Bunu seviyorum.’ Jack Moss
Hermes
Yosun ve topraktan oluşan bir pist üzerinde sahnelenen (tuhaf bir şekilde, haftanın trendi, daha sonra Miu Miu ve Louis Vuitton’da görülen) Nadège Vanhée’nin Hermès için yaptığı son gezi, onun şafak ile alacakaranlık, dünya ile uzay arasında ‘sınır bölgesi’ olarak adlandırdığı şeyi yarattığını gördü. Koleksiyona yabancı, uhrevi bir his kazandırdı: Modeller parlayan kürelerden ortaya çıktı ve mürekkep rengi bir podyumda Garde Républicaine gösteri alanının etrafında döndü; bu da giysinin koyu mavi, gri ve siyah paletine ilham verdi. Hermès’in kalbinde yer alan binicilik kodlarını (burada dilimlenmiş jodhpurs ve bisiklet şortları, terbiye blazerleri ve diz boyu deri botlar) yalın, fütüristik silüetlerle birleştiren bu model, geçmişin, bugünün ve geleceğin akıllı bir meleziydi; Vanhée’nin kendine ait bir sınır bölgesiydi.Kontrast örgü kollu devekuşu ve deri tulum takımları sezonun gösteri parçalarıydı – markanın üstün deri atölyesinin bir sonucu olarak, seksi çekicilik ve işlevi bir araya getiriyorlardı – elbiselerin önünden aşağıya doğru uzanan veya bir ceketin göğsünü kesen görünür fermuarlar neredeyse bilim kurgu hissi katıyordu. Baskılar, art deco sanatçısı AM Cassandre aracılığıyla geldi ve bulutların geometrik bir yapıyla kesiştiği görüldü; bu, Vanhée’nin grafik ve elemental arasındaki kendi yan yana gelmelerinin bir yansımasıydı. Jack Moss
Erkekler gibi
Güçlü bir Comme des Garçons koleksiyonu, Rei Kawakubo’nun en sevdiği renk olan siyahta teselli bulmasını sağladı; bu renk, kısa bir ara olan parlak, şeker pembesi dışında, A/W 2026 koleksiyonunun çoğunluğunu oluşturuyordu. Ve son koleksiyonlarda Kawakubo’nun çalkantılı dünya meseleleriyle boğuştuğu görülse de, renk seçiminin mutlaka kederi veya yası temsil etmesi gerekmiyordu; bunun yerine Japon tasarımcı, bunun yaratıcı sürecin genişliğini yansıttığını söyledi. Basına verdiği tipik kısa bir açıklamada, ‘Sonuçta benim için rengin siyah olduğunu fark ettim’ dedi. ‘Bu sadece en güçlüsü, yaratım için en iyisi ve asi ruhu temsil eden renk. Ve en büyük anlamı var: evren ve kara delik.’ Aslında, tek bir rengin kullanılması, Kawakubo’nun tipik kışkırtıcı formlarının ön plana çıkmasına olanak sağladı: bu sezon, yarı şeffaf siyah tülle kaplanmış yastık benzeri yapılar, dalgalı büzgülü fırfırlar ve püskül yığınları veya vücudun üst kısmını saran tabak şeklindeki çıkıntılar. Tüm Comme koleksiyonları gibi bu da bir Rorschach testiydi; alışılmadık olanın tadını çıkaran Kawakubo, sizi her zaman kendi sonuçlarınızı çıkarmaya zorluyor.
Balenciaga
Yeni görev sürelerinin başlangıç aşamalarındaki tüm kreatif direktörler arasında Pierpaolo Piccioli, Balenciaga’da tırmanılacak en dik dağlardan birine sahip olabilir. 2025 baharında bu yeni göreve başlamadan önce Valentino’da geçirdiği 16 yılda, orantı ve renge öncelik veren, Cristóbal Balenciaga’ya yakışan bir terzilik yaklaşımı sergiledi. Ancak Piccioli, Valentino’da nefes kesen balonlu ipek tafta şekerlemeleri gönderirken, Balenciaga, zeitgeist’i tanımlayan tasarımları yıkıcılık ve ironi ile süslenmiş Vetements’in kurucusu Demna’nın elinde markaya yeni bir boyut kazandırılıyordu. Demna adı altında markaya akın eden müşterilerin yeni demografisini yabancılaştırmadan, Piccioli’nin kartvizitleri olan ihtişam ve romantizm nasıl getirilebilir?
Piccioli, bu sezon ikinci koleksiyonu için umutlarını yaratıcısı Sam Levinson ile bir işbirliğine bağladı. CoşkuJacob Elordi, Sydney Sweeney ve Hunter Schafer’ın da aralarında bulunduğu oyuncu kadrosundan uluslararası alanda tanınan yıldızların çıkmasını sağlayan gençlik draması. Balenciaga A/W 2026 şovundaki izleyicilere, HBO şovunun (Nisan ayında halka açık olarak yayınlanacak) üçüncü serisinden, mekandaki ekranlarda oynatılan kliplerin ön izlemesi sunuldu; Piccioli’nin ‘ClairObscur’ adını verdiği koleksiyonda ışık ve karanlığın etkileşimi görülüyordu. Koleksiyonun kendisi, ışığı yakalayan, parlak kumaşlardan oluşan, ara sıra neon tonlu baskılarla noktalanan, büyük ölçüde siyah bir olaydı. Coşku renk doygunluğuna sahip görsel stil. Eğer Coşku Sınırları zorlayan, gençlik odaklı ve biraz da çekişmeli olan bu eser, Piccioli’ninkinden daha manevi olarak Demna’nın kaptan köşkünde hissettiriyor; Yüksek Rönesans referansları (“ClairObscur”, Mannerist ressamların sevdiği sanatsal stil olan, yoğun derinlik yaratmak için çarpıcı biçimde zıt tonlar olarak ortaya çıkan, açık-karanlık veya ışık-gölge üzerine bir oyundur) olayları Piccioli’nin dünyasına sağlam bir şekilde geri getirdi. Hindistan Jarvis
OKUMAK:
Jean Paul Gaultier
Hollandalı tasarımcı Duran Lantink, geçtiğimiz sezonki ilk çıkışındaki (hem eleştirmenleri hem de çevrimiçi yorumcuları, neredeyse hiç görünmeyen silüetleri ve yanıltıcı çıplak vücut baskılarıyla ayıran) şok faktöründen sonra, bu sezon büyük adımlarını atmış gibi görünüyordu; gerçeküstü ve heykelsi olana yönelik gözünü kullanarak çılgından kovboya kadar rahatsız edici bir arketip kadrosu yarattı. Marlene Dietrich (ya da daha spesifik olarak, Lantink’in vintage bir mağazada bulduğu film yıldızının basılı olduğu değerli örgü tişört), çıkıntılı kıvrımlar ve şekillendirilmiş yakalarla birlikte gelen akıllı açılış terziliğine ilham veren ve aynı zamanda kuru buzla (en sevdiği mengeneye – sigaraya bir gönderme) sahip bir elbisenin üzerine basılan, moodboard’daki figürlerden biriydi. Tasarımcı, kinayeleri alt üst etmede usta olduğunu söyledi: “Baskın, seksi ve zarif, son derece melez” – şekil değiştiren koleksiyona yön veren bir ruh hali.Teknolojik spor giyime dönüştürülen terzilik, sanatçı mankenlerinin trompe-l’oeil elbiseleri iç çamaşırlarıyla kaplandı ve şişme ceketler elbise haline geldi. Lantink, basın notlarında “Bu, dünyanın sürekli alt üst olduğu Gaultier’in evine yakışan bir ruh” dedi. ‘Kadınsı ve erkeksi, içi dışı, vintage ve yeni, iç giyim ve dış giyim, hem teknik hem de kişiye özel.’ Jack Moss
Chanel
Matthieu Blazy, ikinci sınıf hazır giyim koleksiyonunun markanın kurucusu Gabrielle ‘Coco’ Chanel’den bir alıntıyla başladığını söyledi. ‘Moda hem tırtıl hem de kelebektir. Gündüz tırtıl, gece kelebek ol’ dedi. ‘Bir tırtıldan daha rahat bir şey yoktur ve bir kelebekten daha aşk için yaratılmış bir şey yoktur. Sürünen elbiselere ve uçan elbiselere ihtiyacımız var.’ Bu, Blazy’nin Chanel için şu ana kadarki vizyonuna uygun bir tanım gibi görünüyordu; etkileyici zanaat eylemleriyle gündelik hayatı yücelten ve hem işlevsel hem de gösterişli olandan keyif alan bir tanım. Bunlar şüphesiz özel kıyafetlerdir (onları yakından görme şansına sahip olan herkesin bunu doğrulayabileceği gibi), ancak bunlar sadece yüceltmek için değil, giyilmek için de tasarlanmışlardır. Bu nedenle, bu hafta başındaki yoğun mağaza katlarından (bu, moda haftasında devam eden bir konuşma konusuydu) ve daha da fazlası, Pazartesi akşamı defileye katılanların (ve sadece her zamanki gibi yüksek harcama yapan müşteriler tarafından değil, aynı zamanda editörler ve stilistler tarafından) giydiği satın alımları görmekten de şüphesiz memnun kalacak.
Bir dizi ana renkli devasa vincin ortasında sahnelenen (Ne de olsa Blazy hâlâ Chanel’ini inşa etme sürecinde) tasarımcının A/W 2026 koleksiyonu, Coco Chanel’in kategorizasyonunu ödünç alırsak “tırtıl”ı (geniş blazerler, oduncu tarzı ince gömleklere dönüştürülmüş tüvitler, basit jarse elbiseler) kapsayan muhteşem ve kapsamlı bir gardırop egzersiziydi. ‘kelebek’. İkincisi, gösterinin sonunda süslemelerle (aplike çiçekler, danteller ve boncuklar) yüklü ve modellerin pastel renkli veya metalik saçlarıyla uyumlu, olağanüstü bir parlak, renk doygun görünüm akışıyla geldi. 78 görünümün üzerinde, Chanel kadınının çok sayıda yinelemesi ve buna uygun aksesuarlar (parlak metalik kort şortlarından, kruvasanları hatırlatan yumuşak hilal şeklindeki çantalara kadar) vardı. ‘Chanel gündüzdür, Chanel gecedir. Blazy, “Bu, istediğiniz zaman tırtıl ile kelebek arasında seçim yapma özgürlüğünü temsil ediyor” dedi. ‘Kadınların, özür dilemeden oldukları ve olmak istedikleri kişi olabilmeleri için bir tuval yaratmak istiyorum.’ Jack Moss
OKUMAK:
Louis Vuitton
Nicolas Ghesquière, Louis Vuitton için A/W 2026 koleksiyonunu, yapım tasarımcısı Jeremy Hindle’ın hazırladığı bir gösterinin ortasında sahneledi; pastoral manzaralarda bulunanlar gibi yemyeşil tepelerin bir dizi keskin, fütüristik zirveye soyutlandığını gördü. Koleksiyonun kendisi de benzer bir mantığa sahipti; doğadan (‘dağlar, ormanlar, ovalar’ ve geleneksel olarak bu tür temel manzaralar arasında yaşamak için kullanılan kıyafetler) ilham alıyor ve bunları Ghesquière’in tipik kendine özgü, zamanda yolculuk yapan silüetleri aracılığıyla yeniden hayal ediyordu. Keşif fikri bir geçiş çizgisi gibi görünüyordu – büyük boy geniş omuzlu ceketler, kürklü şapkalar ve tüylü kapüşonlu spor ceketler koruma için astarlanmış gibi görünürken deri asalara bağ gibi asılan çantalar – yine de geleneksel kırsal kıyafetleri hatırlatan giysilerde törensel bir his vardı (gerçi Ghesquière tarzında, referansları yerleştirmek zor olacak şekilde karıştırılmıştı). Ukraynalı sanatçı Nazar Strelyaev-Nazarko’nun ‘kentsel pastoral’ çalışmalarının da yer aldığı canlı koleksiyon için Ghesquière, “Bu bizim gerçekliklerimizden bir kaçış değil, onların bir yankısı” dedi. ‘[Bu] gelecek için yeni bir folklor.’ Jack Moss
Miu Miu
Miuccia Prada, bir kadının dünyadaki yerini uzun zamandır sorguluyor: nasıl hareket ettiklerini ve ihtiyaçlarını yansıtan bir gardırop. S/K 2026 için “bedenin küçüklüğünü” düşünüyordu; fiziksel orantıları açısından değil, etrafımızdaki dünyanın uçsuz bucaksızlığına karşıtlığı. Bu, şu andaki aşırı yük çağımıza bir yanıt gibi geliyor: Palais d’Iéna’daki pist bir toprak ve yosun tabakasıyla kaplıydı; bu, lüks modanın gösteriş ve töreninin ötesinde, yalnızca toprakla birlikte yaşayan insanlar olduğumuzu hatırlatıyor (bir koltuk arkadaşının dediği gibi, belki de bu onun ‘çimlere dokunma’ talimatıydı). ‘Bedenin küçüklüğüne, insani anlamda, kendimiz, bedenlerimiz ve bizi çevreleyen şeyin enginliği arasındaki zıtlığa takıntılıyım’ dedi. ‘Biz kimiz ve yüzleşmemiz gereken şeyin ölçeği ve büyüklüğü. Bu koleksiyon kırılganlıkla ilgili değil; bir güven ve güç var. Ama her zaman bir insan ile dünyanın genişliği arasındaki bir yüzleşmeyle ilgili.’
Bu nedenle koleksiyon, güç ve samimiyet anları arasında ayrım yaptı: birincisi için, saran trapper şapkaları, yürüyüş ayakkabıları ve sportif, yün astarlı parkalar; ikincisi için, slip elbiseler, saten ayakkabılar ve mücevherli süslemeler. Bunda 1990’lardan bir şeyler vardı: yalnızca defilenin ortasında kesişen daha minimal görünümde değil, aynı zamanda gösteriş ve kullanışlılık arasındaki karşıtlıkta (mini elbise üzerine parka; çivili bir çanta; blok topuk) ve aynı zamanda 1996’da Miu Miu için ilk kez yürüyen, uzun süredir ev ilham perisi olan Chloë Sevigny’nin görünümünde. Gemma Ward ve Kristen McMenamy, gösteriyi kapatan aktris Gillian Anderson’a. Jack Moss
OKUMAK:
Kaynak: Duvar kağıdı
