Kadın Sanatçı “Doruk Noktasına” Ne Zaman Ulaşır?

Rose Wylie, “Opera Singer and Teapot” (2024), oil on canvas

“‘Yaşlılık stili’ nedir? ‘Geç dönem stili’ ile aynı şey mi?” diyor Linda Nochlin, 2008 tarihli “Old-Age Style: Late Louise Bourgeois” adlı denemesinin başında. Eserlere dair anlayışımız sanatçının yaşıyla birlikte evrildikçe, bu deneme Bourgeois’in yedinci onyılı boyunca süren estetiğini ve ilgilerini inceliyor; özellikle eserindeki yumuşak ve sert yanlara odaklanıyor. Saygın feminist sanat tarihçisi Nochlin, bir sanatçının kariyerinin başında ürettiği bir eserle yaşamının sonunda yaptığı bir eser arasındaki ilişki üzerine düşünür ve sonuncunun, öncekinin anlayışımızı ya da yorumumuzu nasıl değiştirdiğini sorar. Merhum Filistinli-Amerikalı edebi kuramcı Edward Said’den ödünç aldığı bir biçimde Nochlin, “geç dönem stilleri, sanat nesnesini bir arada tutan tüm rahatlatıcı geçişleri ve estetik bağları terk eder; bunun yerine kopukluklarla, uçurumlarla, dirençsiz yerinden etmeyle ve çözülmemiş çelişkilerle uğraşır” der. Yani geç dönem stilleri, ister bir sanatçının biyografisiyle bağlantılı olsun ister olmasın, önceki çalışmanın tarihsiz değerlendirmelerine rahatça sığmayan odak kaymaları ve bozulmalarla yüzleşmemizi zorlar.

Nochlin’in “geç dönem stili” tanımı, New York’taki Marc Straus Gallery’de sergilenen The Prime of Your Life‘i anlamada yardımcı oluyor. 75 yaşından büyük 18 kadın sanatçıyı bir araya getiren sergi, malzemelerin, kaygıların ve evet, stillerin bir çığlığından başka bir şey değil. Boya, çizim, heykel ve kurulum; tamamen farklı ölçeklerde, biçimlerde ve tekniklerde, hepsi birleşik bir uyumdan çok, ardışık çağrı ve yanıtlar dizisi gibi bir araya geliyor. Yalnızca yaşları onları bir araya getirdiği için, bu serginin eserleri kuşak düzeyinde bir ifadeden çok, 21. yüzyıl feminist sanat tarihinin kritik bir sorusunu ortaya koyuyor: Bir kadın sanatçı için “başarı dönemi” ne anlama gelir, eserleri ancak daha yaşlı olduklarında piyasaya ve müzelere tarafından değer biçilme ihtimali en yüksek olduğunda?

New York’taki Marc Straus Gallery’de The Prime of Your Life‘den kurulum görünümü

Marina Abramović’in “Standing with Skeleton” fotoğrafı (2008/2016) bu soruyu gündeme getiriyor. Galerinin girişine yakın yerleştirilen büyük ölçekli görüntü, Abramović’i siyah bir arka plan önünde, sırtında fildişi bir iskeletle gösteriyor. 50 yılı aşkın bir süredir, neredeyse her zaman performans odaklı çalışmalarında bedenini kullanıyor; incelik yerine doğrudan yüzleşmeyi tercih ediyor. Bunu 2010 tarihli başyapıtı performans ve sergi The Artist is Present‘le şiirsel bir biçimde gerçekleştirdi; müze ziyaret saatleri boyunca karşıdaki bireye dik dik baktığı, kariyerinin zirvesi sayılan bu eser. Abramović’in canlı performanslarının titizliği ve tutkusuyla karşılaştırıldığında, bu fotoğraf en iyi ihtimalle cansız, en kötü ihtimalle ise pratiğinin neredeyse bir parodisi gibi hissettiriyor; iskelet, yaşlılık üzerine hüzünlü bir düşünmeden çok, neşeli bir Halloween süslemesi gibi görünüyor. Abramović’in diğer çalışmalarındaki gücü bildiğimizde bunun komik bir taklit gibi görünmesi kaçınılmaz mı? Karşılaştırmak adil mi? Daha zayıf, daha geç bir eser, daha güçlü, daha provokatif ve yenilikçi olan öncekini küçültür mü? “Standing with Skeleton”in bir dönem eseri olduğunu nasıl anlarız? Belki de şimdi, 79 yaşında, Abramović tam da başarı dönemine giriyor; önümüzde bir dönem çalışmaları var.

Marina Abramović, “Standing with Skeleton ed. 4” (2008/2016), renkli kromojenik baskı (tüm fotoğraflar Marc Straus Gallery’nin izniyle)