Kendi Sanat Teorilerini Geliştiren 10 Ünlü Sanatçı

Özgün sanat teorileri geliştiren 10 ünlü sanatkârı bir gözden geçirin.

Sanat yaratımının kuramsal temeli çoğu zaman sanatın gelişimini ve estetik ile ideolojik ilkelerini inceleyen sanat tarihçileri ve filozoflar tarafından yazılır. Ancak bazı sanatkârlar zaman zaman pratiğini kurama dönüştürüp bir risale, makale veya konferansla sanatlarına dair yaklaşımlarını açıklamak yoluyla meşruiyet kazandırırlar. Örneğin, ünlü sanatkâr David Hockney, Rönesans tablo ustalarının üstün sanat becerisini açıklayabilecek kuşkulu bir teori uydurmuştu.

1. Leonardo da Vinci ve Kaotik Sanat Teorileri

Leonardo da Vinci’nin Muhteşem Ana ile Aziz Anne’nin Eşiğinde adlı eseri. Kaynak: Louvre, Paris

Ünlü İtalyan bilgini, insan bilgisinin neredeyse her alanında iz bıraktı. Leonardo tıp, mimari, surlar, zooloji, mühendislik ve birçok başka disipline yöneldi. Da Vinci kendini öncelikle bir bilim insanı ve mühendis olarak görüyordu. Geniş araştırma ilgileri, sanat ve sanat kuramı hakkındaki yazılarında kendini gösteriyordu. Da Vinci, kuşkusuz sanat bilgisini sistematikleştiren ilk İtalyan sanatkâr değildi; oran, geometri, renk ve biçim hakkında risaleler yazanlardan çok daha öncekiler vardı. Yine de en önemli özellikleri, yazılarının geniş kapsamı—sanatı her mümkün açıdan bilimle bağdaştırmayı hedeflemesi—ve içlerinde egemen olan başa çıkılmaz kaostu.

Da Vinci’nin sanat teorilerinin çoğu defterlerinde dağınık biçimde yer alıyordu. Kapsamlı bir sanat kılavuzu yayımlama tutkuna rağmen, çok da odağı dağılabilen ve dikkati çabaca dağılan biri olduğu için bu işi tamamlayamadı. Boyanmış bir insan bedeninin oranları üzerindeki çalışmalarına girişirken, kısa sürede fizyolojik karmaşıklıkların içine gömüldü ve bir anatomi metni yazmaya yöneldi. Kendi boyadığı eserler, şaşırtıcı biçimde, kendisinin formüle ettiği kuralların çoğunu ihlal ediyordu. Leonardo kuramla ilgileniyor, pratikle değil ve tek bir alana çok uzun süre odaklanmakta zorlanıyordu.

2. Albrecht Dürer

Albrecht Dürer’in Şövalye, Ölüm ve Şeytan adlı eseri, 1513. Kaynak: Chicago Sanat Enstitüsü

Meşhur Alman gravürcü ve ressam Albrecht Dürer, Kuzay Rönesansının kavramsal ve ideolojik alanında yaşayıp çalıştı. O dönemin sanatçıları ve yaratıcıları, sanatın yaratımının kuramsal ve bilimsel temeliyle ilgileniyordu. Dürer, fikirlerini yazılı biçime döken ilk Alman sanatçıydı. Aslında yaratıcı bir çalışmanın tutarlı bir kuramsal temeli geliştirmek, Dürerin mesleki ilgilerinin merkezindeydi. Onun için bilgiye duyulan istek, başlıca yönlendirici güctü.

Dürerin kuramsal çalışmalarının özü, oranın araştırmasıydı. Antik Roma heykellerini ve gerçek insan bedenini inceleyerek, uyumlu ve dengeli bir figür için ideal oranları hesaplamaya çalıştı. Bulgularını, sanatçıların eğitimi için yazdığı iki inceleme eserinde hesaplamalar biçiminde dile getirdi: geometriye odaklanan Ölçü Üzerine Dört Kitap ile üç boyutlu insan figürlerinin oranlarını iki boyuta doğru biçimde aktarma yöntem ve tekniklerini inceleyen İnsan Oranı Üzerine Dört Kitap.

3. Piero della Francesca

Piero della Francesca’nın İsa’nın Çarmıra Gerilmesi, yaklaşık 1460. Kaynak: The Web Gallery of Art

Piero della Francesca, Erken Rönesans İtalyasında çalışan bir ressam ve matematikçiydi. Yetenekli ve tanınmış bir sanatçıydı; dışarıdan gelen etkileri coşkuyla benimsedi ve bunları kendine özgü üslubuna kattı. Başta tempera ile resim yapmış olsa da, Flaman meslektaşlarıyla etkileşime girdikten sonra yağlı boya ile çalışma yöntemlerini öğrendi ve her iki tekniği birden aynı anda kullanmaya başladı.

Piero della Francesca geometri ve matematik çalıştı ve özellikle perspektifle ilgileniyordu. Boyanmış perspektifin kurulmasına dair incelemeler yayımladı ve yalnızca kuramsal temeli değil, aynı zamanda okurları için bir dizi pratik alıştırmayı sundu. El kitaplarında, derinlik illüzyonunu koruyup tanınabilir bir biçimi sürdürmek için üç boyutlu figürlerin resimsel alan içinde doğru biçimde nasıl döndürüleceği de anlatılıyordu.

4. Giovanni Battista Piranesi

Köprü, Giovanni Battista Piranesi’nin Carceri d’invenzione serisinden

Giovanni Battista Piranesi, yaşamı boyunca yalnızca bir binayı inşa edebilen bir mimardı. Projelerinin çoğu gerçekleştirilmesi için çok karmaşıydı ve Piranesi’nin antik çağın arkeoloji ve kültüre dair çalışmalarına derinlemesine dayanıyordu. En ünlü eserleri, fizik yasalarını ihlal eden, tuşu makineler ve hiçbir yere götürmeyen merdivenlerle dolu hayali hapishaneleri betimleyen, ürpertici ve rahatsız edici görüntülerdi.

Piranesi’nin mimari deneyimleri, pek çok estetik etkiden beslenmesinden kaynaklandı. Ancak tümü Romalı mimari temel alınarak oluşturuldu. Roma’ya yaptığı yolculuklarda Piranesi, şehrin en ünlü eski yapılarını inceledi ve ölçtü; Roma stilleri ve biçimlerinin kendi sınıflandırmasını geliştirdi. Romalıların mimarilerini Yunan değil Mısir stiline dayandırdığına inanan Piranesi, stillerin tarihsel gelişiminin tamamen yeni bir zaman çizelgesini ortaya koydu.

5. Vasil Kandinski

Beşinci Kompozisyon, Vasil Kandinski, 1923. Kaynak: Solomon R. Guggenheim Müzesi

Soyutlamanın öncüsü Vasil Kandinski ancak kırkıncı yaşlarında bir profesyonel sanatçı oldu. Önceden sanat pratiği yapmış olsa da, asıl mesleği hukuktu. Belki de bir avukat olarak Kandinski, fikirlerini sözlü ve yazılı biçimlerde ortaya koyma ve savunma alışkanlığı geliştirdi. Bu beceri, ona sanat yaklaşımını ve insanlığın gelişimi için soyut sanatın gerekli olduğuna dair inancını açıklayan bir dizi eser yayımlamasına yol açtı. Ünlü denemesinde Sanatta Manevi Olan, saf rengin ve saf biçimin insan ruhunu nasıl etkileyebileceğini, duyguları ve fiziksel olmayan deneyimleri nasıl uyandırabileceğini açıkladı.

6. Kazimir Maleviç

Dinamik Üstünlükçülük, Kazimir Maleviç, 1915-6. Kaynak: Tate Londra

Kandinsky ve Malevich döneminde, kendi sanat yaklaşımını gerekçelendirmek için bir teori yazmak tamamen sıradan değildi. Sanat dünyası manifestolar, eserler, makaleler, konferanslar ve yazılı ya da sözlü savunmanın diğer biçimleriyle dolup taşıyordu. Yine de Kazimir Malevich, çoğundan daha ileri gidenlerden biriydi. İlk kez Kibofütürist stilde çalışırken tanındı; bu stil, Kübizmin geometrisiyle Fütürizmin dinamiğini birleştiriyordu.

1915’te Malevich, Suprematizmi geliştirdi; bu resim stili, ilkenin temel geometrik biçimlerine dayanıyordu. Birkaç yıl sonra, yeni hareketin nedenlerini ve ilkelerini ortaya koyan Nesne Olmayan Dünyalar adlı eserini yayımladı. Malevich’e göre Suprematizm, İzlenimciligin ve Neo-Primitivizmin mantıksal bir süreğeniydi. Boyanmış yüzeyi anlamlar, semboller ve ifadelerin sınırlarından kurtaran son adımı atıyordu.

7. Piet Mondrian

Piet Mondrian’ın Kompozisyon adlı eseri, 1929. Kaynak: Guggenheim Müzesi, New York

1917’de Hollandalı soyut ressam Piet Mondrian, Teozofinin mistik öğretileriyle sıkı bir Kalvinist inancı birleştiren Neo-Plasticizm adlı bir sanat teorisini geliştirdi. Mondrian, tüm sanat eserlerinin bilinçli olarak üretildiğini ve dolayısıyla nesnelerin doğru betimlemeleri değil, sanat kararları koleksiyonlarını temsil ettiğini savunuyordu. Ayrıca, her kavram, fikir ya da olayın temel doğal çatışma eylemi aracılığıyla yansıtılabileceğine inanıyordu: bu, güneşin merkezinden gelen dikey ışınla çarpışan yer yüzünün yatay çizgisidir. Sanatı yorumların, kültürel farklılıkların ve gerçeğin taklidinin sınırlarından kurtarmak için Mondrian, yalnızca dikey ve yatay çizgilerin kullanılması gerektiğini, bunların da istenen görsel ritim ve renkli parçalar arasındaki gerilime göre dizilmesi gerektiğini önerdi.

8. Paul Klee

Paul Klee’nin Fish Magic adlı eseri, 1925. Kaynak: Philadelphia Sanat Müzesi

Bauhaus’un en ünlü öğretmeninden Paul Klee, çok yönlü ve derinlikli bir zeka sahibi olup renk ve biçim üzerine pek çok teoriyi incelemiş ve deneymiştir. I. Dünya Savaşı sırasında, modern sanatı uçak kamuflajına uygulama alanı bulmuş ve uçakları Ekspresyonist ve Fauvist üsluplarda boyamıştır.

Bauhaus’ta Klee, öğrencilerine çoğunlukla kompozisyon öğretmiştir. Kendine özgü bir yaklaşım geliştirmiş ve bunu düşünen göz kavramına dayandırmıştır—görsel biçimleri algılama ve anlama biçimi. Yayınlanan derslerinde Klee, soyut biçimler ile duygular arasındaki doğal bağı, görsel şiir biçiminde ortaya koymuştur. Gerçek sanatın görünür olanı yeniden üretmediğini, aksine görünmeyeni görünür kıldığını savunmuştur.

9. Laszlo Moholy-Nagy

Laszlo Moholy-Nagy, 1925. Kaynak: Musee Magazine

Kandinsky ve Klee gibi, Macar sanatçı Laszlo Moholy-Nagy da bir Bauhaus profesörüdür; ancak onlardan farklı olarak çabasını fotoğrafcılığa yöneltmiştir. 1920’lere gelindiğinde fotoğrafçılık Batı kültürüne derinlemesine yerleşmiş ve gelişmesi için yeni yönler gerektirmiştir. Moholy-Nagy, Yeni Görüş hareketinin kurucularından ve savunucularından biridir; bu hareket fotoğrafçılığı, yalnızca diğer görsel sanat biçimleriyle değil, fiziksel gerçeklikle de gevşek biçimde bağlantılı, bağımsız bir araç olarak görmüştür. Yeni Görüş ideolojisi, soyut fotoğrafçılığı, fotomanipülasyon, montaj, deneysel teknikler ve tipografi öğelerini öne çıkarmıştır.

Laszlo Moholy-Nagy, sanatın gelişiminin geleneksel yönünü tersine çevirmiştir. Fotoğrafçılığı resim ve heyelin yasalarına bağlamak yerine, ressamların fotoğrafı resimde ortaya çıkaran bir fotoğraf görüşü geliştirmelerini teşvik etmiş ve buna özgün modern özellikler kazandırmıştır.

10. David Hockney: Ünlü bir Pop Sanatçısının Olası Olmayan Teorisi

George Lawon ve Wayne Sleep, David Hockney, 1972-5. Kaynak: Tate, © David Hockney

1999 yılında, Pop Art’ın öne çıkan isimlerinden biri olarak bilinen ressam David Hockney, çalışma alanında sürpriz bir katkı sundu. Kendi sanatsal tercihleriyle ilgili teoriler yayımlayan diğer sanatçılardan farklı olarak Hockney, daha ileri gitti. Görünüşte düşük bir beceriye sahip olmakla sık sık eleştirilen Hockney, olağanüstü gerçekçiliği ve karmaşık detaylarıyla bilinen Erken Rönesans ustalarının eserlerini inceledi. Kapsamlı araştırmaların ardından, bu karmaşıklığın nadiren üstün bir becerinin, daha sık ise görüntüleri ters yönde yansıtan camera obscura gibi optik aletlerin ve kavisli aynaların kullanımının sonucu olduğu önerisinde bulundu. Ancak bu teori, Hockney’in perspektif çalışmalarının tarihine dair tarihsel kanıtların önemli bir bölümünü görmezden geldiği iddia edilen sanat tarihçileri tarafından iyi karşılanmadı.